МЖДЗ: We're Not In Kansas Anymore

Не знаю, кто решил, что делать из художников сценаристов — хорошая идея. Ведь на каждого Стефана Сейича приходится свой Тони С. Дэниел. Поэтому к прочтению комикса по сценарию Эммы Риос я подходил с некоторой долей скептицизма, да и не такой уж я большой фанат Pretty Deadly. Меня, в первую очередь, привлек необычный стиль рисунка Хвэй Лим. Но Риос справилась блестяще (не без помощи Лим, конечно), создав историю, о которой хочется незамедлительно поведать всем.

Изначально комикс должен был стать частью 8House, но затем ушел в «свободное плавание». Отсылки к циклу есть, но небольшие: вскользь упомянута война между Великими Домами. Поэтому, чтобы насладится чтением Mirror, вам не придётся разбираться в хитросплетениях саги о восьми Домах.

Сюжет повествует о маге по имени Иван (вообще, русских имен в серии неожиданно много, например, есть медведь по кличке Лесник) и его помощнице Зун, которую волшебник отсылает из башни с важной миссией.

Немаловажную роль в комиксе играют флешбэки, действие которых происходит за 30 лет до основных событий. В них рассказывается о трагических взаимоотношениях еще совсем юного Ивана и его собаки Сены. Сразу оговорюсь, некоторые животные в Mirror антропоморфны и умеют разговаривать (к ним относиться и мышка Зун). И мне безумно хочется узнать, что же такого страшного произошло между Иваном и Сеной, из-за чего их отношения так кардинально изменились.

Разделение истории на два временных промежутка играет на руку серии. Ведь образы персонажей в прошлом радикально отличаются от их характеров в настоящем. Зачастую они диаметрально противоположны, словно бы отражены в зеркале, (право превращается в лево), наверное, поэтому у комикса такое название. Особенно это справедливо в отношении наставника главного героя — колдуна Казбека, который более всех изменился за прошедшие годы.

Сочетание магии, говорящих животных и общего фэнтезийного антуража создают в Mirror ощущение сказки. И в этом серия похожа на другую работу Риос — Pretty Deadly. Но в «Смертельно Прекрасной» превращение комикса в притчу создавалось несколько искусственно — за счет бесед кролика и бабочки. Эти эпизоды, практически никак не связанные с основной историей, сильно забивали сюжет, из-за чего (по крайней у меня) не складывалось чувство целостного повествования. В Mirror же все более органично, и сказочная атмосфера создается скорее способом подачи истории, чем наличием фэнтезийных элементов, которые не оттягивают на себя внимание от основного сюжета.

Больше сказочности комиксу добавляют волшебные иллюстрации Хвэй Лим. Ее легкий, почти невесомый стиль чем-то напоминает стиль мангаки Химаруи Хидэкадзу (Hetalia, Chibisan Date). Рисунок Хвэй не перегружен деталями, часто для изображения персонажей или фонов использовано всего несколько линий, но это нисколько не вредит экспрессивности героев: лица людей (и морды животных) полны чувств и эмоций.

Еще Лим творит нечто невероятное с раскадровкой. Если с чем-то ее и можно сравнить, то первым на ум придет слово «витраж». Но вот эти кадры стали моими любимыми. Здесь очень творчески обыгран момент с расколотой чашкой. Первая панель формой напоминает осколки фарфора, а на следующем рисунке мы видим ту самую разбитую кружку, где в лужицу разлитого чая помещен флешбэк. Просто и гениально.

Особое внимание стоит уделить покраске. Она выполнена в акварельном стиле, в похожей манере исполнена другая имейджевская серия — Descender. Но если в комиксе Лемира и Нгуена цвета будто бы нанесены поролоновой губкой на рисовую бумагу, из-за чего создается впечатление того, что краски впитываются в страницы, то в Mirror иллюстрации словно бы раскрашены кистью от руки, кое-где можно даже различить отдельные мазки. Этот стиль придает какое-то небывалое великолепие и без того восхитительному рисунку Эммы Риос (она выступает художником эпилога, в то время как Хвэй Лим — сценаристом).

Mirror дарит совершенно волшебное ощущение сказки, а отдельные части комикса (в особенности эпилог) позволяют понять, что история и персонажи гораздо глубже, чем может показаться на первый взгляд. Я понимаю, что это лишь начало, и спешить с выводами не стоит, но уже сейчас меж страниц одного только первого выпуска проглядывает чистое...

Выход Starve анонсировали чуть больше года назад и вот, без шума и пыли, закончился первый арк комикса, начался второй, и настало время обсудить, что это такое и с чем его едят. Заявка была интригующей: мрачное будущее, ужасающая бедность, реалити-шоу про шеф-поваров, которые готовят редких животных на потеху богатой публике. Не знаю, видимо, у меня слишком богатое воображение, а может, следовало читать синопсис не на стадии анонса, а прямо перед выходом первого номера, но то, что получилось в итоге, и то, что ожидалось, чудовищно сильно отличается.

Наш протагонист Гэвин Крукшэнк, некогда успешный шеф и ведущий кулинарного шоу Starve, из-за разразившегося экономического кризиса становится банкротом, бросает все (в том числе опостылевшую жену и любимую дочь) и уматывает в Азию, чтобы спокойно пить и принимать запрещенные вещества. Но через несколько лет парниша со студии находит его и вынуждает вернуться в Нью-Йорк, чтобы принять участие в перерожденном Starve: уже не программе о еде разных стран, а весьма странном соревновании лучших шефов. Гэвин узнает, что за время его отсутвия его объявили мертвым, супруга прибрала все права на шоу (ставшее мегапопулярным), а ведет его теперь заклятый друг Крукшэнка Роман. Заодно вспомнив об отцовской любви, он решает выиграть соревнования и вернуть свою жизнь. Освежающий элемент: дочка Энджи на него не злится, как можно было бы ожидать, а наоборот, всячески помогает.

Что я ждала: драму про социальную несправедливость, показанную через призму общества потребления + элементы драмы семейной. Первые два номера по большей части оправдывали эти ожидания. Начало было сумбурным, но достаточно адекватным для того, чтобы стать вводной частью истории. Второй выпуск и вовсе удался: в нем конкурсантам было велено найти и принести на шоу супер-пупер-редкого тунца, что вызвало некоторые бурления в душе Гэвина, а через второстепенного персонажа озвучивалась интересная мысль о том, пристало ли настоящему шефу быть знаменитостью и тратить время и талант на выступления по ящику. Но, начиная с третьего выпуска, что-то резко пошло не так. Сценарист как будто забыл о социальной подоплеке, которую обозначил раньше и переключился только на семью. Повторяю, не просто постепенно свел на нет, а просто выкинул на помойку все «лишнее». Теперь во главе угла исключительно благополучие Гэвина, его отношения с Энджи (стоит признать, довольно милые), желание поддеть жену и т.д. Никакого тебе социального неравенства, никакого переворота во благо всего общества, который так и напрашивается в истории про «мрачное будущее».

Персонажи получились одномерными: главный герой просто решил все исправить и прет вперед (кстати, надо ли говорить, что он довольно неприятный тип?), ни о чем не думая, его жена просто обиженная на него сука, дочь просто милая. Никаких драм (не больше, чем положено), никакого развития, которые бы сделали их интереснее. К самому шоу у меня тоже есть вопросы. Черт, ведь с такими вводными можно придумать классные и жуткие штуки. Я немного опасалась, что шефам в комиксе велят готовить детенышей панд, но нет, все довольно тривиально: собачатина, тунец, свинина, морепродукты. Почему мы должны удивляться? Ах, да, кризис, наверное, этот осьминог стоит страшных денег. Наверное. Нам не уточнили.

Да, конечно, градус безумия немного повышен, например, вышеупомянутую свинину поварам выдали еще живой и хрюкающей, а «Кулинарная битва» является битвой в прямом смысле — команда участников должна силой выгнать работников кухни из ресторана и занять их место. Такое чувство, будто Вуд просто взял элементы «МастерШефа» и слегка добавил им перца, но все-таки недостаточно много, чтобы получилось вкусное пикантное блюдо. Особенно это грустно на фоне Chew, который, конечно, очень сильно отличается по тону и задумке от Starve, но все равно первым приходит на ум при поиске комикс-аналогов.

Рисунок, очевидно, призван подчеркнуть мрачность происходящего, но все-таки назвать его удачным просто не поворачивается язык. Грязный, неаккуратный, в желто-коричневно-черных тонах, через него приходится продираться, как через дремучий лес. У Жежеля (тут обязана быть шутка про то, что художнику лучше сменить фамилию на Жижель) большие проблемы с выражением эмоций людей, иногда считать картинку без текста просто невозможно, особенно это относится к главному герою. Поправьте меня, если я ошибаюсь, но это совершенно неправильно. И в этом комиксе даже нет освежающих флэшбеков, которые были бы тут более чем уместны и с точки зрения сюжета и раскрытия персонажей (почему он все-таки уехал, почему Грир его так ненавидит, почему все-таки они с Романом враждуют), и с точки зрения «осветления» картины происходящего.

Совсем не уверена, что готова вернуться к этой истории и мигрени, которую она вызывает, хотя продолжение уже на руках.

Казалось бы, переосмысления сказочных историй уже так набили оскомину, так затасканы, что даже у больших фанатов этого «жанра», вызывают легкое недомогание. Но пройти мимо I Hate Fairyland было решительно невозможно. Скотти Янг, известный своим уникальным художественным стилем, представляет свою первую авторскую работу и выступает сразу в двух ипостасях: и сценаристом, и художником. Как вы, конечно знаете, Янг долго работал над комикс-адаптацией серии «Волшебник страны Оз», и, читая его «Фэйрилэнд», возникает подозрение, что эта тема изрядно его достала (хотя он и говорит, что идее уже много-много лет). Итак, завязка отсылает нас сразу к двум известнейшим авторским сказкам: «Алисе» и «Озу». Восьмилетняя Гертруда чудесным образом попадает в Страну Фей, а чтобы вернуться домой, ей необходимо найти некий ключ. Королева страны Клаудиа снабжает девочку помощником и картой и уверяет, что приключение не займет больше двух дней. Проходит 27 лет...

Помните, в первом арке Fables Пиноккио жалуется, что застрял в теле ребенка? С Гертрудой произошло тоже самое. Ну как тут не обозлиться? В своих приключениях она прибегает к постоянному насилию, зачастую совершенно неоправданному. Несомненно, долгие странствия сильно повредили психику нашей героини, а попутно она так всех достала, что против нее созрел целый заговор. По сути, весь первый арк — просто «роуд-муви». Герт путешествует, сталкивается с опасностями, подстроенными ее врагами, встревает в переделки по собственной глупости, выпутывается из них (очень кроваво выпутывается), а все это приводит к совершенно логичной и ожидаемой развязке. Сюжет можно пересказать в паре предложений, но скудным назвать его все-таки нельзя.

Сила этой истории — в главной героине, в том, с каким жаром она ненавидит Фэйрилэнд. Так по-настоящему, искренне и от всей души. Попробуйте месяц питаться одним шоколадом, думаю, вы потом и видеть его не захотите. А будь я 30 лет окружена розовыми облаками, наверное, тоже захотела бы прикупить боевой топор. Другие герои не менее классные: уставший от жизни Ларри, раздраженная королева, приторная Хэппи. Пускай они и на втором плане, но видно, что автор уделил им не меньше внимания, чем Гертруде.

Не то чтобы прием изображать жестокость в мультяшном стиле — открытие Янга, но в I Hate Fairyland невероятное сочетание истории и изображения выводит комикс на новый уровень. То, что никак не должно работать вместе, сносит голову. Максимально прилизанное и конфетное нечто (за что еще спасибо колористу) с радугами и забавными существами удивительно гармонично сочетается с тарантиновскими кровью, синяками и торчащими костями. В некоторых случаях даже дизайн бабблов подгоняют под ситуацию, что уж говорить про отдельные решения, связанные со шрифтами. Например, нецензурную лексику заменяют безобидные слова, как раз-таки подчеркнутые другим шрифтом для максимального комического эффекта. Визуальная сторона комикса безупречна и продумана до мелочей.

Я говорила, что I Hate Fairyland до безобразия смешной? Не позавидую тому человеку, который решится адаптировать его на русский язык. Комикс полон каламбуров, говорящих имен и шуточек — всего того, что может вызвать ступор/жаркие споры при переводе. Очень классный ход с рассказчиками — одному на каждый номер. Серьезно, я почти не знаю, к чему придраться, это один из самых свежих и оригинальных комиксов, что я читала. Разве что хотелось чуть более изобретательного сюжета. Но финал первого арка дает для этого все возможности, так что остается только радоваться и ждать продолжения.

Блестяще, мистер Янг.

Вдогонку к официальному объявлению о завершении рана Скотта Снайдера на серии Batman очень захотелось что-то написать. Так как писать о всей серии достаточно тяжело (тем более, она еще не закончена), я пришел к идеальному, на мой взгляд, решению — Endgame, арк относительно недавний и еще не потерявший свою актуальность и одновременно концентрирующий в себе все плюсы и минусы, хорошее и плохое в ране Снайдера.

Скажу сразу — этот ран мне нравится гораздо меньше доребутного захода Снайдера на Детективы. Даже более того, до Нулевого Года (который я считаю лучшей частью рана) все это не представляло для меня никакого интереса. Тем удивительнее и неожиданнее, что эта работа вывела Скотта в суперзвезды, а тайтл все эти пять лет занимал самые высокие места в чартах продаж. Все-таки не ивент глобальный и такое продолжительное время. Но вот тут, наверное, и фокус — каждый арк (а первые два еще и вели одну линию) подавался как СОБЫТИЕ, влияющее на весь бэтменовский мир как минимум на сто лет вперед, с обязательными, но обычно абсолютно ненужными тай-инами в других бэт-сериях, а в случае с Нулевым Годом дело только бэт-фэмили не ограничилось. Ночь Сов, Смерть Семьи (никто не умер), Нулевой Год (разбитый на три разноцветных акта новый ориджин) — все это громко, эпично, но, к сожалению, часто просто пусто.

Мне действительно не хочется ругать Снайдера, к его чести тайтл действительно всегда выглядел как флагман франчайза, таким исполином качества, правда, не совсем понятно — он так выглядел на фоне или сам по себе. Это вопрос, на который мне сложно ответить.
 Вот и Endgame — тоже событие с последствиями, не на сто лет, а, как оказалось, всего на годик, ну, никто и не сомневался. Тем не менее, говорить об этом арке я буду не с позиции дня сегоднешнего, а исключительно в контексте самой истории. Так правильно.

Конец Игры — второй заход Снайдера на территорию, которой он всецело владел с момента ребута, территорию извечного противостояния Бэтмена и Джокера — который для меня выглядел, в том числе, и работой над ошибками после крайне неудачной «Смерти Семьи». Я думаю, что если из того арка убрать Грега Капулло, получилась бы просто жижа, а с Грегом получилось невероятно атмосферная жижа. Проблема для меня очевидна — Снайдер не умеет в Джокера.

Джокер уже давно не просто лучший злодей в истории комиксов, он вышел за пределы медиума, он фигура едва ли ни эпичней своего главного врага. А еще это персонаж, которого, как мне представляется, невероятно сложно писать. У Снайдера не получилось, и то, что он вкладывал в уста Джокера, абсолютно диссонировало с крутейшим визуальным образом.
В Endgame ничего подобного нет, Снайдер действительно сделал работу над ошибками. Просто Джокера тут не так много, как может показаться, это вроде и его история, но всего масштаба личности, несмотря на все сюжетные фишки с тайной ориджина, снова не получилось.

По сути, Endgame построен по заветам старцев и использует целый ряд классических мифологических элементов истории Бэтмена и Джокера, но использует их как бы в полсилы, до последнего номера даже не пытаясь оправдать пафосное название. Сам сюжет вертится вокруг таинственного газа, выпущенного Джокером на Готэм с немного предсказуемыми последствиями для жителей — люди превращаются в «зомби-джокеров», которые хотят не мозгов, а Бэтмена и его компашку. Противоядия против вируса нет даже у Брюса, тайна формулы лежит гораздо глубже (во всех смыслах), чем кажется, а сам Джокер появляется то тут, то там, делая плохие вещи с близкими Бэтмену людьми. Все это подкрепляется атмосферой безысходности с внутренними монологами Брюса.

Одна из важнейших (и скандальных) линий истории — нет, не отрубленная рука, а тайна ориджина Джокера и его возможного долголетия, реально ли он ровесник Готэма или это его очередная шутка? Собственно, вот сюжет. И он вроде как о Джокере, но Скотта постоянно что-то отвлекает. В то время как можно было больше сконцентрироваться на истории, он начинает с абсолютно ненужной для нее битвы Бэтмена с отравленной ядом Джокера Лигой. Ну окей, тут есть объяснение — эпичная и красивая битва Бэтмена и Супермена, пусть будет. А вот линия с тайной вируса, с поиском противоядия, занимающая огромную и очень важную часть сюжета, выстроена просто удивительно расхлябанно и вымученно. Камео бэт-фэмили и злодеев ближе к финалу тоже не особо влияют на историю, но они тут есть просто потому что. Ну, это же история Готэма, пусть будет.

Минусы этого арка компенсируются несколькими вещами.
 Первое — собственно первое появление Джокера. Интересный твист, впрочем, уже ранее использовавшийся, и лучше Гранта Моррисона никто подобных штук не сделал, ни до ни после. Хотя Джокер Моррисона это вообще отдельная тема, его воплощение и в Batman R.I.P, и в Batman and Robin, о котором речь, стоит на недосягаемой для Снайдера высоте, да и для многих других авторов тоже. Но все равно, в контексте рана Снайдера, такое эффектный выход дорогого стоит.

Второе — финальная схватка. Во многом благодаря Капулло, битва выглядит совершенно невероятно. Когда Джокер бросает карты, и они впиваются в лицо Брюса — реально слышишь звук брызгающей крови, когда Брюс откусывает у Джокера ухо — реально слышишь звук рвущихся тканей, ух, это сделано очень круто. Как-то так получилось, что битва Бэтмена с Джокером удивительно напоминает финальную схватку в моем любимом оскаровском номинанте этого года, прям класс. Хотя когда читал, сцена битвы немного напомнила мне битву Бэтмена с Рас Ал Гулом из комикса Дэни О’Нила «Рождение Демона», но совсем чуть-чуть.

Третье — Готэм. Это одна из фишек рана Снайдера, он делает город еще одним действующим лицом, вторым главным героем серии, абсолютно живым персонажем. И «Конец Игры» в этом смысле — не исключение.

Четвертое. Грег Капулло. Абсолютно невероятный художник, который, естественно, не без помощи талантливых Дэнни Мики и Франциско Плаценсии, делает каждую страницу этого комикса чистым бриллиантом.

Ну и, наверное, пятое — бэк-ап история Джеймса Тиниона IV. Порой она даже лучше основного арка. Кажется, Джеймс пишет Джокера лучше Снайдера, вот так.

В целом, Endgame оставляет после себя странное послевкусие. Я думаю, что Снайдер в очередной раз слил финал и слишком сильно увлекся темами трагедии и смерти. Бэтмен в финале Endgame в словах Альфреда обретает ореол мученика, которого просто не может ждать счастливый конец, он рожден в трагедии, «умер» в трагедии и вся жизнь его — сплошная боль. Мне кажется, это какой-то совершенно неправильный посыл эффекта ради, абсолютно не учитывающий множество других элементов мифа Бэтмена как героя, как человека. Да, в истории Бэтмена множество трагедий, и личные трагедии своих друзей он пропускает через себя, но он одновременно и вдохновляющая фигура, человек превозмогающий, человек не ожесточенный невзгодами, в общем, Герой, даже несмотря на «я весь такой мрачный, и темный, и угрюмый и еще раз мрачный». Разве не так? Впрочем, возможно, я просто неправильно понял идею автора. Возможно, это действительно история о Большой Жертве, значит, так тому и быть.

Есть плюсы, есть минусы, с оценкой невероятно сложно. Грег Капулло, атмосфера, финальная схватка, неплохая работа с внутренними монологами Брюса — все указывает на Добро. Но Джокер, снова не ушедший дальше внешней крутизны, и не совсем правильная, на мой взгляд, характеристика Бэтмена и финальный посыл — даже не знаю. От Снайдера мне все еще хочется его личной Убийственной Шутки, его личгого РИПа. А он не дотягивает, нет.


К выходу фильма про Кэмберстрэнджа Marvel позарез требовался современный комикс о персонаже. Серию доверили писать Джейсону Аарону, который уже зарекомендовал себя на мифических комиксах. Доброго доктора необходимо было приготовить к встрече с поколением, взращённым киновселенной. Издательство решило совместить два подхода: безопасный и умный.

Итак, по сюжету, Доктор Стрэндж все чаще сталкивается на Земле с магическими пришельцами из иных измерений. Вскоре обнаруживается причина этого паломничества — волшебство во всем мироздании умирает. Точнее, его кто-то убивает. Сможет ли Стивен спасти саму магию, когда его единственный инструмент — его искусство ворожбы — погибает?

Marvel решило, что раз нужна серия о Докторе Стрэндже, то пусть сразу будет эпик, плавно переходящий в мини-ивент. Ставки настолько высоки, что издательство сдает краплеными картами. Чтобы наверняка захватить внимание читателей, предлагает бесконфликтную, скучную и коммерческую историю. Да, размах событий по привычке обещает, что «все не будет так, как прежде», но неминуемое возращение к статусу-кво читается еще с первого номера. Глупо издавать комикс про Верховного волшебника, который не может пользоваться магией. И, как правильно подметила Алая Ведьма, сам сюжет стандартен для комикса про мага (в частности «грядущей тьме» противостоял и ваш дружелюбный сосед Джон Константин), а первый арк, рассказывающий незаконченную историю, своим клиффхэнгером разведет читателей на покупку второго тома и кроссовера — Последние дни магии, с реализацией которых поможет камео Дэдпула.

Пока серия напоминает парк развлечений, грамотно выстроенный из успешных шаблонов. Справа у нас девушку-компаньонка, которая обязательно должна быть у каждого Доктора. Слева — почтительный кивок Стиву Дитко — Крис Бачало с удовольствием ломает композицию ради гротескных монстров и умопомрачительных параллельных измерений и проворачивает свои фокусы с покраской. Прямо — смелые изменения в мифологии персонажа, подгоняющие саркастичного хипстера и бабника Стрэнджа под Тони Старка.

И все же серия цепляет. Тем самым Доктором Стрэнджем с топором и цепляет. Но не топором, а подходом к магии. Аарон переизобретает персонажа вокруг идеи: любой удар имеет цену. Стивена все еще окружает сверхъестественная наркомания Дитко, но она идет по тарифу светящая сыпь под мышками и разумные камни в почках. Подобная физиология магии применяется не столько в виде шок-фактора, сколько в виде общей эстетики комикса. По сути, это легкий ужастик, который из-за своего возрастного ценза не может нас напугать, но выстраивает хоррор на отвращении. Занимательную мерзость документальных фильмов про плесень и паразитов Бачало преподносит под маской волшебных грибов, произрастающих на периферии зрения, и высасывающих жизненные силы ленточных червей размером с автобус.

В то время как главный злодей охотится на чудеса мироздания, Marvel нацелилось на наши кошельки. Для всех, кому не по нраву современная трактовка Верховного мага, издательство подготовило омнибас с ранними приключениями доброго доктора. Те же, кто не переваривает рисунок 60-ых, помните, Doctor Strange образца 2015 года — это профессионально сделанный комикс, просто по-коммерчески бездушный.

Иногда звезды сходятся удачно. Иногда им помогает перестраивающий вселенную Рид Ричардс с сыном при небольшом содействие Marvel. Старик Логан вернулся, он попал в 2015 год и — в руки лучшему авторскому дуэту из возможных. Джефф Лемир и Андреа Соррентино вновь работают вместе. Люди, которых не хвалил только ленивый, люди, подарившие нам одну из лучших историй про Зеленую Стрелу. И теперь у них в руках серия Old Man Logan. Но их ли это материал и персонаж?

Логан, очнувшийся голышом посреди города, полного людей и жизни, находится в шоке, замешательстве и ярости. Стычка с копами, секунда смятения, и он вспоминает все: пустошь, смерть друзей и семьи, кровь и боль. Он убегает, находит газету и понимает, где оказался — в прошлом, которое теперь вновь настоящее. Рисунок в «настоящем» серый и приглушенный, он отлично отражает то, как видится мир герою. Когда Логан входит в режим берсерка, все меняется, картинка становится насыщеннее и злее.

Вторая сцена контрастирует с первой, это флэшбек: Логан с сыном Скотти скачут по пустоши на рынок, где происходит конфликт с участием персонажа по имени Мясник. Он бьет Скотти, но Логан сдерживается, и они просто уходят. Это отправная точка истории. В моменте с пустошью картинка более яркая, сильно напоминает MAD MAX, так и ощущается дыхание палящего солнца и неуловимым образом все перекликается с рисунком в оригинальной истории. Воспоминания и понимание того, где он, дают Логану цель. Лемир сразу взял быка за рога, не вилял и не растягивал, а решение, принятое Логаном в финале, определенно будет иметь свои последствия.

Вспомним, в каком статусе покинул вселенную Марвел тот, другой Логан. Благородный воин, директор школы и Мститель. Предположу, что нынешний Логан кода-то был таким же или близким к этому. И, как мне кажется, цель Лемира — показать и исследовать ситуацию, в которой благородный по своей сути, но сломленный и измученный грузом вины человек, на которого давит возможность что-то изменить, пересечет черту. Ту черту, где убийство оправдывается только желанием предотвратить будущую несправедливость. Кстати, сюжет грядущей Гражданской Войны 2 крутится вокруг похожих моральных дилемм.

Но вернемся к Логану: им движет жажда мести, он не знает этот мир до конца и просто прет вперед. А меж тем это мир хоть и похож на его родной, но все же отличается. Впрочем, в определенных местах можно заметить реткон по отношению к истории Миллара: два мира были более похожи внешними атрибутами.

В финале первого выпуска становится ясно, что перед нами не Логан и не Росомаха, не герой и не злодей. Это просто морально сломленный человек. Старик. Старик Логан. Именно его психологию и этику мы будем изучать и стараться понять.

Шарм вышеупомянутого Green Arrow был не только в отличном сюжете, но и в гармоничном и отличном рисунке. А здесь он — просто запредельно отличный. То, как Соррентино передает эмоции персонажей буквально двумя штрихами и правильной тенью, захватывает дух. Страх, удивление, ярость — все это вы видите и буквально чувствуете. Соррентино и Майоло на пару творят невероятные вещи, картинка полностью ложится в ритм повествования. И в этом не меньшая заслуга Лемира, который чувствует партнеров ничуть не хуже, чем они его. 

Как поведет себя серия дальше, я не знаю, но начало истории, заложенные идеи и этот рисунок точно...